Kako su slike poznatih umjetnika postale dio mode, oblikujući novi stil dvadesetog stoljeća

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zadnja izmjena: 2023-12-15 23:59

Veze između umjetnosti i mode definiraju određene trenutke u povijesti. Oba ova medija odražavaju društvene, ekonomske i političke promjene od bučnih dvadesetih do živahnih osamdesetih. Evo četiri primjera umjetnika i modnih dizajnera koji su svojim radom pomogli u oblikovanju nove perspektive umjetnosti i mode 20. stoljeća.

1. Halston & Warhol: Modno bratstvo

Prijateljstvo između Roya Halstona i Andyja Warhola definiralo je umjetnički svijet. I Roy i Andy bili su lideri koji su utrli put stvaranju umjetnika / dizajnera slavnom osobom. Uklonili su pretencioznu stigmu svijeta umjetnosti i unijeli modu i stil u mase. Warhol je nekoliko puta koristio sitotisak za stvaranje slika. Iako sigurno nije izmislio proces, on je revolucionirao ideju masovne proizvodnje.

Roy je koristio tkanine i uzorke koji su bili jednostavni i elegantni, ali glamurozni, koristeći šljokice, ultras i svilu. Bio je jedan od prvih koji je američku modu učinio pristupačnom i poželjnom. Oboje su ostavili svoj posljednji trag na umjetnost i stil tokom 1960 -ih, 70 -ih i 80 -ih godina, što se nastavlja do danas.

Roy i Andy radili su zajedno na mnogo različitih projekata. Warhol je stvorio reklamne kampanje u kojima je prikazana Halstonova odjeća, pa čak i sam Halston. S druge strane, Halston je upotrijebio Warholov cvjetni print u nekim od svojih kolekcija odjeće, od večernjih haljina do kompleta za slobodno vrijeme.

Roy je koristio jednostavne uzorke u svojoj odjeći, što ih je učinilo vrlo uspješnima. Udobne su za nošenje, ali su imale i dašak luksuza zahvaljujući tkaninama, bojama i otiscima. Warhol je također pojednostavio materijale i proces. To je olakšalo reprodukciju njegovih djela i učinilo ih prodajnijim.

Komercijalni uspjeh imao je svoje izazove za oba umjetnika. Halston je bio prvi partner sa maloprodajnim lancem JCPenney 1982. godine, što je uticalo na kvalitet njegovog brenda. Warhol je također naišao na kritike, jer je njegovo djelo percipirano kao površno. Međutim, obojica su modernizirali svoju maloprodajnu i marketinšku upotrebu u svojim prostorima kako bi stvorili robne marke za prodaju na masovnom tržištu.

Roy i Andy bili su česti posjetitelji Studija 54. Priređivali su zabave, dizajnirali i proizvodili djela za poznate ličnosti kao što su Liza Minnelli, Bianca Jagger i Elizabeth Taylor. Sve se to odražava na njihov rad koji je inspirisao i definisao diskoteku 1970 -ih.

Halston je bio poznat po stvaranju svjetlucave večernje odjeće. Roy je vodoravno položio šljokice na tkaninu, stvarajući svjetlucavi efekt materijala koji je koristio za stvaranje luksuznih odijela koje su voljele mnoge glamurozne dame.

Serija cipela Warhol Diamond Dust Shoes također ilustrira noćni život Studija 54 i poznatih osoba koje tamo žive. Dijamantna prašina je ono što je koristio preko šablona ili slika, stvarajući dodatni element dubine za komad. A njegove cipele su izvorno bile ideja Halstonove oglasne kampanje. U svakom slučaju, ovo dvoje dali su ogroman doprinos modi, ostavljajući neizbrisiv trag iza sebe. Zaista, i danas su mnogi moderni dizajneri inspirirani idejama Andyja i Roya, stvarajući veličanstvene kolekcije s odjecima prošlosti.

2. Sonia Delaunay: Kad umjetnost postane moda

Sonia Delaunay nije samo revolucionirala novi oblik kubizma, već je uvela i vezu između umjetnosti i mode. I Delaunay i njen suprug bili su pioniri orfizma i eksperimentirali su s različitim oblicima apstrakcije u umjetnosti. Ona je bila prva te vrste koja je koristila vlastiti umjetnički stil i preselila se u svijet mode koristeći svoje originalne tekstilne uzorke, otiske ili uzorke. Više je se pamte po umetnosti i povezanosti sa suprugom nego po modi. Njen stil odigrao je važnu ulogu 1920 -ih, a njen odjevni katalog pamti se više po fotografijama i referencama na njenu umjetnost nego po odjeći. Za Sonju je postojala i ne postoji granica između umjetnosti i mode. Za nju su jedno te isto.

Svoj modni posao započela je 1920 -ih, kreirajući odjeću za klijente i dizajnirajući tkanine za proizvođače. Sonya je svoju etiketu nazvala Simultana i otišla je još dalje koristeći boje i uzorke na raznim temama. Istovremenost je igrala važnu ulogu u njenom radu, a njena neobična tehnika podsjećala je na patchwork jorgan ili tekstil iz istočne Europe: boje su se preklapale jedna s drugom, a uzorci su korišteni za stvaranje sklada i ritma. Njene uobičajene teme uključuju kvadrate / pravokutnike, trokute i dijagonalne linije ili sfere - a sve se to preklapa u njenom različitom dizajnu.

Delaunay je bila mlada žena za vrijeme Edvardijanske ere, kada su korzeti i konformitet bili norma. To se promijenilo 1920-ih godina kada su žene počele nositi suknje iznad koljena i široku, prikladnu odjeću. Ovaj aspekt se može vidjeti u dizajnu Delaunay i bila je strastvena u stvaranju odjeće koja odgovara potrebama žena. Sonya je razvila kupaće kostime koji su omogućili ženama da se osjećaju ugodnije, čak i kada se bave sportom i plivaju. Stavila je svoje otiske na kapute, cipele, šešire, pa čak i automobile, koristeći bilo koju površinu kao platno. Njeni dizajni stvaraju slobodu kretanja i izražavanja kroz boju i oblik.

Tijekom svoje karijere stalno se okušala u nečemu novom, pa se kao rezultat toga preselila u kino i kazalište. Sonia je kostime dizajnirala za mali pariški Rene Le Somptier, dok je njen suprug radio scenografiju za film. Voljela je geometrijske oblike, vješto ih kombinirajući i miješajući međusobno, stvarajući bizarne uzorke i isprekidane linije koje su joj postale zaštitni znak.

3. Saradnja između Else Schiaparelli i Salvadora Dalija

Avangarda nadrealne umjetnosti kombinirana je s liderom nadrealne mode. Salvador Dali i modna dizajnerica Elsa Schiaparelli sarađivali su i inspirirali jedno drugo tokom svoje karijere. Stvorili su kultni izgled poput haljine od jastoga, šešira za cipele i haljine za suze koji su šokirali i inspirirali publiku u umjetnosti i modi. Dali i Schiaparelli otvorili su put budućoj saradnji modnih dizajnera i umjetnika, premošćujući jaz između onoga što se smatra nosivom umjetnošću i mode. Dali je koristio jastoge kao stalnu temu u svom radu i zanimala ih je njihova anatomija.

Haljina "Omar" zajedničko je djelo Else i Dalija, a njihovo stvaranje izazvalo je mnogo kontroverzi ne samo na dan debija, već i poslije. Prvo, ima prozirni prsluk i bijelu suknju od organze. Neobična odjeća doslovno je raznijela modni svijet, izazivajući brojne kontroverze oko ovog rezultata. Upotreba bijele tkanine također je u kontrastu s crvenom bojom jastoga. Bijela se može smatrati djevičanskom ili simbolizira čistoću u usporedbi s crvenom, što može značiti opuštenost, moć ili opasnost.

Kosturi su još jedna tema koja se nalazi u nadrealnoj umjetnosti i korišteni su u većoj suradnji Dalija i Schiaparellija. Haljina Skeleton bila je prva takve vrste. Elsa je koristila tehniku koja se zove trapunto, gdje su dva sloja tkanine sašivena, stvarajući obris u koji je umetnuta letvica, stvarajući tako povišen efekat. Ova tehnika stvara teksturiranu površinu na ravnoj tkanini, stvarajući iluziju da ljudske kosti vire kroz haljinu. Ovo je izazvalo skandal jer je haljina napravljena od elastičnog materijala koji se lijepio za kožu. Fantazije Dalijevih slika i crteža utjelovljene su u nestvarnom svijetu Schiaparellijeve odjeće, koja do danas ostavlja neizbrisiv dojam i na gledatelje i na dizajnere.

4. Yves Saint Laurent: Sukob umjetnosti i inspiracije

Gdje je granica između imitacije i uvažavanja? Kritičari, publika, umjetnici i dizajneri pokušavali su utvrditi gdje ova linija prolazi. Međutim, kada je u pitanju Yves Saint Laurent, njegove namjere nisu bile ništa drugo do laskanje i divljenje umjetnicima i slikama koje je koristio kao inspiraciju. Gledajući svoj veliki portfelj, Saint Laurent je bio inspiriran kulturama i umjetnošću iz cijelog svijeta, koje je uspješno uklopio u svoju odjeću.

Iako Yves nikada nije upoznao umjetnike koji su ga inspirirali, to ga nije spriječilo u stvaranju umjetničkih djela u znak poštovanja prema njima. Laurent je inspiraciju crpio kod umjetnika poput Matisa, Mondriana, Van Gogha, Georgesa Braquea i Picassa. Bio je kolekcionar umjetnina i sakupljao je slike Picassa i Matisa koje je objesio u svom domu.

Yves je uzeo neke umjetničke motive i pretvorio ih u zapanjujuću odjeću koja odaje počast nekim od njegovih omiljenih umjetnika. Šezdesete su bile vrijeme revolucije i komercijalizma, novo doba mode i umjetnosti. Saint Laurentovi projekti postigli su komercijalni uspjeh kada je inspiraciju počeo crpiti iz pop -arta i apstrakcije. Godine 1965. stvorio je dvadeset šest haljina inspirisanih apstraktnim slikama Pie Mondriana. Haljine su utjelovljivale Mondrianovu upotrebu jednostavnih oblika i smjelih primarnih boja. Yves je koristio tehniku u kojoj se nisu vidjeli šavovi između slojeva tkanine, što je ostavljalo dojam da je odjeća jedan cijeli komad. Saint Laurent je Mondrianovu umjetnost preuzeo iz 1920 -ih i učinio je nosivom u odnosu na 1960 -e.

Modne haljine klasični su primjeri stila 1960 -ih. Bili su slični odjeći iz 1920 -ih koja je bila manje ograničena i imala je rukave i porub koji otkrivaju velike mrlje kože. Saint Laurentove kvadratne siluete učinile su da se žene osjećaju lagano i slobodno. To ga je takođe dovelo do inspiracije od pop art umjetnika poput Toma Wesselmana i Andyja Warhola. On je stvorio liniju dizajna inspirisanih pop umjetnošću koji su sadržavali siluete i izreze na njegovoj odjeći. Radilo se o prevladavanju ograničenja apstrakcije u umjetnosti i komercijalizaciji dizajna. Laurent je spojio ove dvije ideje kako bi stvorio odjeću za žene koja je besplatna i privlačna modernim damama.

Saint Laurentove jakne Vincent Van Gogh primjer su kako je Yves kombinirao umjetničku inspiraciju sa svojim dizajnerskim talentima. Kao i drugi njegovi odjevni predmeti, umjetničke teme nisu kopirane i zalijepljene na Saint Laurentovu odjeću. Umjesto toga, odlučio ih je upotrijebiti kao izvor inspiracije i stvoriti komade koji odražavaju njegov vlastiti stil. Jakna je primjer stila 80 -ih, koji je izvezen suncokretom u slikovitom stilu Van Gogha.

Laurent je surađivao s Maison Lesageom, liderom u vezenju visoke mode. Jakna "Suncokreti" izvezena je cjevastim perlicama. Cvjetovi su ispunjeni različitim nijansama narančaste i žute iskrice. Time se stvara višedimenzionalna tekstura slična Van Goghovoj tehnici nanošenja guste boje na platno. Procjenjuje se da je to jedan od najskupljih predmeta visoke mode ikada napravljenih i prodatih u Christie'su za gotovo četiri stotine hiljada eura. Saint Laurent je otvorio put nošenju odjeće kao umjetničkog djela za sebe, bez obzira na modu i vremenski period.

Nastavljajući temu, pročitajte i o ono što je Saeko Yamaguchi dovelo do uspjeha, učinivši je jednom od najomiljenijih muza Kenza i Yamamota.