7 remek -djela Ermitaža koje vrijedi vidjeti 2020

2024 Autor: Richard Flannagan | [email protected]. Zadnja izmjena: 2023-12-15 23:59

Naučnici su dugo dokazali da umjetnost blagotvorno djeluje na zdravlje ljudi smanjujući nivo tjeskobe i stresa u tijelu. To se posebno odnosi na likovnu umjetnost i kontemplaciju o lijepom. Stoga, kako bi 2020. godina bila ispunjena povoljnim stanjem tijela i duha, vrijedi posjetiti Ermitaž i vidjeti najpoznatije ekspozicije muzeja.

"Apostoli Petar i Pavao" El Greca

El Greco je jedan od najsjajnijih i najoriginalnijih umjetnika. Grk po porijeklu, studirao je slikarstvo u Italiji u radionici velikog Ticijana. Tehniku ulja naučio je od svog idola, a također je bio inspiriran umjetničkim tehnikama talijanskog manirizma. El Greco se među svojim kolegama isticao po originalnosti dramatično izražajnog stila. U svojim portretima veliku je pažnju posvećivao psihološkoj karakterizaciji. Na ovoj slici iz Ermitaža umjetnik predstavlja dvije različite vrste ljudi. S lijeve strane je apostol Petar, koji je tri puta poricao postojanje Krista. Njegovo lice odaje tugu i neizvjesnost, dok su mu geste obojene pokajanjem i preklinjanjem. Apostol Pavao, koji je, kao što znate, izvorno bio revan progonitelj kršćana, na slici pokazuje duhovni žar u potvrđivanju istine. Pokreti rukama koji čine kompozicijsko središte djela izražavaju dijalog koji ujedinjuje dva apostola.

Sedokosi Petar, umotan u zlatnu haljinu, nagnuo je glavu u stranu. U lijevoj ruci drži svoj simbol - ključ Carstva nebeskog. Pavel snažno pritisne lijevu ruku na otvoreni volumen na stolu, desna mu se ruka podiže u gesti pojašnjenja kada gleda direktno u gledatelja. Sveti Petar i Sveti Pavao pojavljuju se mnogo puta u djelu El Greca i prikazani su s upečatljivom dosljednošću. Umjetnik uvijek prikazuje Petra s sijedom kosom i bradom, a često nosi i žutu haljinu preko plave tunike. Paul je uvijek blago ćelav, tamne kose i brade, u crvenom ogrtaču preko plave ili zelene odjeće.

"Pokajnica Marija Magdalena" od Ticijana

Pokajnica Marija Magdalena portret je Svete Marije Magdalene Ticijan iz oko 1531. godine, s potpisom 'TITIJAN' na posudi s lijeve strane. Prema zapletu, riječ je o ženi s raspuštenom prošlošću, koja je, prema Jevanđelju (Luka 7, 36-50), došla u kuću fariseja Simona da zamoli Isusa za oproštaj. To je ženska figura koju prikazuje Tizian debelim, koncentriranim potezima i toplim tonovima. Paleta ističe nevjerojatne oči natopljene kristalnim suzama. Bakarna plava kosa koja prekriva lik nevjerojatno je ispisana. Tema pokajane Marije Magdalene, koja je podigla pogled prema nebu, stekla je veliku popularnost u Italiji u 16. stoljeću među aristokratima, vjerskim vođama i bogatoj srednjoj klasi. Nedostatak odjeće simbolizira odbijanje Magdalene od nakita, zlata i svjetskih hobija radi vjere u Krista. Osim toga, zlatna kosa i ukupna figura Magdalene zadovoljavaju standarde renesansne ljepote.

"Madonna Litta" Leonarda da Vincija

Slika je dobila ime po milanskoj plemićkoj porodici u čijoj se zbirci nalazila veći dio 19. stoljeća. 1865. godine ruski car Aleksandar II kupio je platno za Ermitaž, gdje je izloženo do danas. Ovo djelo prikazuje Madonnu koja doji Kristovo dijete. Obratite pažnju na odsustvo duhova na ovoj slici. Brojna Leonardova platna pokazuju tu istu osobinu. Figure su postavljene u mračnoj unutrašnjosti s dva lučna otvora koji prikazuju pogled na planinski krajolik. Zanimljiv detalj: u sredini slike, u lijevoj Hristovoj ruci, nalazi se zlatna čegrta, koja je simbol muke Kristove.

Osećaj radosti majčinstva na slici "Madonna Litta" posebno je divno prikazan zahvaljujući bogatstvu same slike Marije - ovde je pronašao svoj zreli izraz Leonardove ženske lepote. Nježno, lijepo lice Madone daje posebnu duhovnost poluzatvorenim očima i blagi osmijeh. Kompozicija slike zadivljuje svojom upečatljivom jasnoćom i savršenstvom. Madona i dijete bili su uobičajeni motivi u kršćanskoj umjetnosti tokom srednjeg vijeka, a nastavili su se i u renesansi.

"Lutist" Caravaggio

Sliku je naručio kardinal Francesco del Monte, koji je pokrovitelj umjetnika. Caravaggio je prikazao mladića fasciniranog muzikom: pogled mu je pun inspiracije, prsti se drže za žice. Lik mladića u bijeloj košulji jasno se ističe na tamnoj podlozi. Oštro bočno osvjetljenje i sjene koje padaju daju objektima gotovo zamjetnu zapreminu i težinu. Predmeti postavljeni na slici svjedoče o umjetnikovoj velikoj ljubavi prema svijetu oko sebe, želji da istinito reproducira prirodu, prenese materijalnu kvalitetu svakog detalja. Na bilježnici koja leži ispred heroja s lutnjom ispisane su uvodne note madrigala popularnog u 16. stoljeću "Znaš da te volim".

Ljubav kao temu ovog djela ukazuju i drugi objekti. Na primjer, napukla lutnja bila je metafora ljubavi koja ne uspijeva. U osvit kreativnosti, Caravaggio je mladim ljudima često davao ženstvene crte, što je, međutim, bilo tipično za talijansku umjetnost s kraja 16. stoljeća. Zanimljivo je da su muzičara sa slike iz Ermitaža često zamijenili za djevojku, a kompozicija se zvala "Svirač na lutnji".

"Dama u plavom" Thomas Gainsborough

Jedno od najboljih umjetnikovih djela - "Dama u plavom" - stvorio je Gainsborough u jeku svojih kreativnih moći. Figura mlade žene u otvorenoj haljini od prozirne bijele tkanine nježno se ističe na tamnoj podlozi. Njezina puderasta kosa oblikovana je u neobičnu frizuru. Velike kovrče padaju preko nagnutih ramena. Svježinu mladolikog lica naglašavaju poluotvorene usne i tamne oči u obliku badema. Laganim pokretom desne ruke drži plavi svileni šal. Sivkasti, plavkasti, ružičasti i bijeli tonovi tu i tamo pojačani su svijetlim potezima i pomažu u prenošenju elegancije i ljepote modela.

Hrabrost Gainsborough -ovih slikovnih tehnika zadivila je njegove savremenike. Dakle, Reynolds je primijetio "čudne mrlje i crte" na slikama Gainsborougha, "koje izgledaju vjerovatnije rezultat slučajnosti nego svjesne namjere". Ova neakademska tradicija jedno je od najvećih postignuća Gainsborougha. "Dama u plavom" ušla je u Ermitaž 1916. godine iz zbirke A. 3. Khitrovo testamentom.

Povratak izgubljenog sina Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Ovo remek -djelo biblijske umjetnosti još jednom potvrđuje Rembrandtov status jednog od najboljih slikara svih vremena i najvećeg od svih starih majstora u prikazivanju biblijskih scena. Slika Povratak izgubljenog sina, koju je umjetnik dovršio u posljednjim godinama svog života, prikazuje prizor iz parabole iz Luke 15: 11–32. Prema izuzetnom likovnom kritičaru Kennethu Clarkeu, platno je jedno od najvećih slika svih vremena. Prema zapletu, otac, poput patrijarha, polaže ruke na ramena obrijanog pokajnika i odjeven u dotrajalu odjeću. Oči su mu skoro zatvorene. Čin opraštanja postaje blagoslov gotovo sakramentalnog sakramenta.

Ovo je slika s najvećom duhovnošću, oslobođena svih anegdotskih aspekata, u kojoj su se svi pokreti i radnje zaustavili. Prizor tone u mrak, poput tunela, iz kojeg blijedo sjaje lica oca i njegovog najstarijeg sina. Njihove crvene haljine daju sjaj ovoj tami. Rembrandt je više puta slikao na temu rasipnog sina, ali u ovoj monumentalnoj uljanoj verziji došao je do svog najuzbudljivijeg i - zahvaljujući kontrastu najstarijeg i mlađeg (rasipnog) sina - psihološki najteže formulacije.

"Ples" Henrija Matissa

"Ples" je jedno od najpoznatijih djela Henrija Matisa - oda životu, radosti, fizičkog odbacivanja i simbol savremene umjetnosti. Komad je naručio uticajni ruski kolekcionar Sergej Ščukin 1909. godine za ukrašavanje svoje vile. Obilježena svojom jednostavnošću i energijom, ova umjetnička orgija ostavila je neizbrisiv trag u umjetnosti 20. stoljeća. Ples je napisan na vrhuncu fovističke estetike i utjelovljuje emancipaciju tradicionalnih zapadnih umjetničkih tradicija. Estetski izbor Henrija Matisa za ovu sliku izazvao je pravi skandal u umjetničkim salonima 1910. Odvažna golotinja i grube nijanse davale su slici izvanredan karakter za to vrijeme, što se u očima nekih gledalaca činilo varvarskim.

Matisse je koristio samo tri boje za prikaz ovog plesa: plavu, zelenu i crvenu. U skladu s tradicionalnim fovističkim asocijacijama boja, ove tri nijanse stvaraju intenzivan kontrast. Međutim, Matissov cilj nije bio šokirati publiku. Naprotiv, nastojao je ujediniti ljude jedni s drugima i s prirodom. Kao što je umjetnik rekao: "Ono o čemu sanjam je uravnotežena, čista i mirna umjetnost koja može izbjeći nevolje ili razočaranja."